b LUIGI BOCCHERINI







Nacido en Lucca el 19 de febrero de 1743, en el seno de una familia de artistas. Su padre fue contrabajista y su hermana bailarina de ballet. Su hermano Giovanni Gastone fue escritor y poeta de cierto prestigio. Boccherini se interesó por el chelo.
Boccherini inicia una gira de conciertos con su cuarteto de cuerda creado en 1764 con violinistas. Hacia 1770 empezó a componer el primero de sus quintetos para cuerda. Una vez en Madrid consigue dos importantes patronazgos: es nombrado compositor de la Corte de Federico Guillermo II de Prusia, sin obligación de residir en Berlín.
Luigi Boccherini dio un impulso importante a la música de cámara, dejando, entre otras:

124 quintetos de cuerda; 90 cuartetos de cuerda; 48 tríos; Más de 21 sonatas para violoncelo y bajo continuo.Además compuso 11 conciertos para chelo y orquesta.

Luigi Boccherini recibió en su época el apodo de la esposa, que hacía alusión a su música de cámara de carácter galante, y refinado, y que se comparaba con la de Haydn, con más carácter.

Trabajando para la duquesa Benavente-Osuna tuvo la ocasión de conocer a uno de los grandes pintores españoles, Goya, que también trabajó como pintor de cámara.

JAZZ y sus principales músicos

El jazz es, por encima de cualquier otra cosa, improvisación, vida, expresividad, evolución constante. El verdadero jazz se encuentra en el Mississippi: brota de las manos del pianista de algún bar, o en medio de los miembros de una banda de músicos que tocan por las calles de Chicago. El jazz es también la melodía que brota de un clarinete o de un saxo, que exalta la vida, y es también una oración a Dios.

Un nacimiento original

El jazz es un estilo musical surgido en Nueva Orleans (Estados Unidos) hacia 1850. Sus orígenes se remontan a los cantos de los esclavos negros de las plantaciones de algodón (Spiritual songs o “canciones espirituales”), al blues y al gospel: las canciones de los afroamericanos convertidos al protestantismo.

Se podría decir que el jazz es, sobre todo, música para ser escuchada con los pies. De hecho, ya lo dijo un director de orquesta norteamericano, John Philip Sousa:
-El jazz perdurará mientras la gente lo escuche con los pies y no con la cabeza-.

Y este es el entorno en el que se desarrolla la música jazz durante los años 30, con las bandas de Nueva Orleans, o en los bares ilegales de Chicago. Se tocaba música para que la gente bailara.

Musicalmente, el jazz se caracteriza por los ritmos sincopados, la insistencia rítmica y las improvisaciones. Ha influido tanto en la música culta como en la música popular moderna, especialmente en el Rock and Roll. Los estilos más importantes en la evolución del jazz son:
- Ragtime. Con predominio de la improvisación y del uso de los instrumentos de metal.
- Dixieland. El “jazz negro” tocado por músicos blancos.
- Chicago. Estilo que concede gran importancia a los solos improvisados.
- Swing. Este estilo supuso la comercialización del jazz, con grandes orquestas llamadas big bands con muchos instrumentos.
- Bebop. Significó el abandono de las tonalidades y de la cuadratura formal. La figura más importante dentro del bebop fue Miles Davis, trompetista, que posteriormente evolucionó hacia estilos distintos.
- Cool jazz. Introduce la atonalidad, la libertad formal y la discontinuidad rítmica.

Las últimas tendencias en el jazz son el free jazz, el electric jazz, el jazz funk, el latin jazz y el jazz flamenco.

PRINCIPALES MúSICOS y COMPOSITORES

.McCOY TYNER (ALFRED McCOY TYNER)
.Edward MacDowell
.Nathan East
.Louis Armstrong
.Ray Brown
.Lydia Wellington

Giacomo Puccini

Compositor italiano, autor de óperas que destacan por su intensa emoción y teatralidad, tierno lirismo, orquestación colorista y rica línea vocal. Puccini nació el 22 de diciembre de 1858 en Lucca en el seno de una familia de músicos eclesiásticos. Desde el siglo XVIII todos los Puccini fueron organistas y maestros de capilla en la Iglesia de San Martino de esta ciudad. El último fue su padre.

En 1880 Puccini escribió la Messa di Gloria, a la vista de la cual un tío suyo, Fortunato Magi, decidió fomentar su educación musical. Después de estudiar música en el conservatorio de Milán y de muchas privaciones por sus escasos recursos (1880-1883), escribió su primera ópera Le Villi (1884), lo que le valió el encargo de una segunda ópera, Edgar (1889), y la amistad para toda la vida de Ricordi, uno de los principales editores musicales. Su tercera ópera, Manon Lescaut (1893), fue considerada obra de un genio. Sin embargo, La Bohème (1896), dirigida por Arturo Toscanini en su estreno en Turín, no fue bien recibida por el público, aunque algunas de sus arias se encuentran entre las más populares del repertorio actual. Pero sus siguientes composiciones lanzaron a Puccini a la fama mundial.

Otras óperas de este compositor son Tosca (1900), Madame Butterfly (1904), que no gustó en su estreno en La Scala de Milán, aunque más tarde fue un éxito cuando Puccini la revisó, La fanciulla del West (1910), La rondine (1917) y El Trittico, trilogía de óperas en un acto que comprende Il Tabarro, Suor Angelica y Gianni Schicchi (1918). Falleció el 29 de noviembre de 1924 en Bruselas cuando componía Turandot, obra que completó Franco Alfano. Estrenada en 1926 es su ópera más exótica.

ERIC CLAPTON

Eric Patrick Clapton Shaw (Ripley, Surrey, Inglaterra, 30 de marzo de 1945) es un guitarrista, cantante y compositor de rock y blues, conocido por su maestría con la guitarra eléctrica, en específico con su Stratocaster.[2] Es conocido por el apodo de "Slowhand" (Mano lenta),[1] desde su época en The Yardbirds. Clapton es miembro del Salón de la Fama del Rock por partida triple; por ser miembro de The Yardbirs, de Cream y por su carrera en solitario. A la vista de muchos críticos Clapton ha sido uno de los artistas más respetados e influyentes de todos los tiempos.[3] Además, aparece en el puesto número 4 de la lista "Los 100 grandes guitarristas de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone[4] y en el puesto número 53 de su especial "Inmortales: Los 100 grandes artistas de todos los tiempos".[5]

Su estilo musical ha sufrido múltiples cambios a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado profundamente ligadas con el blues. Es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera, practicando el blues rock con John Mayall's Bluesbreakers y The Yardbirds, y el rock psicodélico con Cream, además de haber tocado estilos muy diversos en su etapa en solitario; Delta blues en su álbum Me and Mr. Johnson, pop en su canción "Change the World" o reggae en su versión del tema de Bob Marley ("I shot the Sheriff"). Posiblemente su mayor éxito fue la canción "Layla" de su época con Derek and the Dominos.

EL MESIAS de Georg Friedrich Händel

El Mesías es la obra más conocida de Georg Friedrich Händel, aunque no debe ser considerada como característica, ya que ocupa un lugar único dentro de la extraordinaria colección de oratorios handelianos. Mientras en los demás oratorios de Händel puede reconocerse una marcada influencia italiana, la música del Mesías se arraiga en las antiguas pasiones y cantatas alemanas.

La obra se compuso en Londres, en 1741, con una extraordinaria rapidez (tres semanas). La costumbre vincula esta obra a la Navidad, pero no hay que olvidar que este oratorio no sólo trata del nacimiento de Jesús, sino de toda su vida. Unos meses después de ser compuesta, la obra se estrenó en Irlanda, durante un viaje de Händel, pero el gran estreno no llegó hasta 1742, en el New Music Hall de Dublín para un concierto benéfico.

Fue el libretista Charles Jennens quien compuso el texto de la oratoria, formado tan solo por fragmentos bíblicos. Jennens presentó la obra como si fuese una ópera, dividiéndola en tres actos subdivididos en escenas.

La primera parte tiene por tema el Adviento y la Navidad. Se anuncia la venida de Cristo, por lo que nos encontramos con algunos momentos de exaltación marcados de una gran intensidad expresiva.

La segunda parte ilustra la Pasión, la Resurrección y la Ascensión finalizando con el famoso "Hallelujah". Así pues, la segunda parte, que había empezado en el dolor y la tristeza de la Pasión, se llena de júbilo con el "Hallelujah" arropado por el coro, trompetas y timbales. En la tercera, se relata la victoria de Cristo ante la muerte, el juicio final y la palabra "Amen", que corona la obra.

Exceptuando la "Sinfonía" inicial, a modo de obertura o introducción, y la "Pifa", que celebra el nacimiento de Cristo, ambas para orquesta, la obra es una sucesión de arias con algún arioso y algún duetto, recitativos y coros.

Se puede decir que la oratoria de Händel aun siendo sencilla, destaca por su monumentalidad en cuanto a duración y proporciones sonoras.

LA FLAUTA MÁGICA de Mozart

En el año 1791, Schikaneder, conocido actor, escritor, y empresario teatral entre otras actividades, propone a Mozart la posibilidad de colaborar para hacer una ópera juntos. Ni Mozart ni Schikaneder estaban pasando por un buen momento económico, y pensaron que de esta manera podrían salir adelante. Mozart aceptó la idea, y mientras componía la música para la ópera, empezó a componer el Réquiem y su ópera La clemencia de Tito. Desde su estreno, esta ópera tuvo bastante éxito, teniendo que representarla en bastantes ocasiones.
Emanuel Schikaneder.

El argumento de la ópera ha sido muy discutido. Mientras que muchos investigadores la ven simplemente como un cuento de hadas, otros la ven llena de simbolismo y referencias a la masonería. Mucha gente considera que el triple acorde de la obertura de esta ópera es un claro signo masónico, que anunciaría el carácter propagandístico de la obra, con objeto de difundir la masonería en un momento en el que el Imperio Austrohúngaro intentaba prohibirla.

Curiosidades

Existe una grabación de Florence Foster Jenkins, unánimemente considerada como la peor soprano de ópera de todos los tiempos, en la cual canta la segunda aria de la Reina de la Noche acompañada al piano. La grabación puede escucharse en el artículo dedicado a Jenkins en la Wikipedia inglesa.

Se cree que el libreto pudo estar inspirado en la obra Lulu o la flauta mágica, pero se cree que pudo tener otras fuentes, como Rey de Egipto, de Philippe von Greber o Sethos, de Jean Terrason.

En cuanto a la música, tiene bastantes momentos destacados, siendo especialmente conocidos, por su complejidad técnica, las arias de La Reina de la Noche, O zittre nicht, en donde intenta motivar a Tamino para que libere a su hija y sobre todo Der Hölle Rache,en donde aparece la segunda nota más aguda compuesta por Mozart para la música vocal, un fa 6, para cuya interpretación se necesita un grado de virtuosismo importante. También son muy conocidos otros fragmentos, como el quinteto de Papageno, Tamino y las Tres Damas, Hm, hm, hm..., con cierta comicidad, o el aria de Sarastro, In diesen heil'gen Hallen, en donde muestra su sabiduría con la voz de bajo. También las intervenciones de Papageno, con su aria Kinget, Glöckchen, klinget y sobre todo su dúo con Papagena.